Soledad Bravo.

Digoooo, un pianista tocando la Patetica, queria decir ;-)

Me cuenta la tia Wikipedia que:

Vladimir Horowitz

Vladimir Horowitz.

Vladímir Samóilovich Hórowitz (ruso Влади́мир Само́йлович Го́ровиц, Vladímir Samóilovich Górovits - ucraniano: Володи́мир Самі́йлович Го́ровиць, Volodímir Samíylovich Górovits) (1 de octubre de 1903 - 5 de noviembre de 1989) fue un pianista ucraniano.

Es distinguido por ser uno de los pianistas más prodigiosos de cualquier época. Su técnica legendaria destacó por la excitación emocional y su riqueza tonal. Aunque algunos críticos resaltaron su tendencia manierista y la exagerada teatralización de sus interpretaciones, sus numerosos y apasionados seguidores lo han considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX. Ganó 26 Premio Grammy, el Prix Mondial du Disque, la Medalla Presidencial de la Libertad y la Legión de Honor entre otras distinciones.Contenido [ocultar]


Síntesis biográfica

El mismo Horowitz decía que había nacido en Kiev , Ucrania, bajo el Imperio ruso, pero varias fuentes han reportado que realmente nació en Berdíchev.1 Su prima Natasha Saitzoff en una entrevista en 1991, aseguró que los cuatro hermanos Horowitz habían nacido en Kiev. Por otro lado, su esposa, Wanda Toscanini se inclinaba por aceptar la variante Berdíchev.

Nació en 1903, pero a fin de evitar el servicio militar su padre le quitó un año, aduciendo que había nacido en 1904. Esta fecha ficticia de nacimiento se encuentra todavía en varias referencias, pero el mismo Horowitz confirmó siempre que su verdadero año de nacimiento fue 1903.2

Horowitz comenzó su aprendizaje de piano a temprana edad, primero a cargo de su madre que había sido pianista competente. En 1912 ingresó al conservatorio de Kiev, donde estudió con Vladimir Puchalsky, Sergei Tarnowsky, y Felix Blumenfeld. Se graduó en 1919 interpretando el Concierto para piano nº 3 de Rachmaninoff, y su primer recital como solista tuvo lugar en 1920.

Su fama creció rápidamente, y al poco tiempo inició una gira por Rusia, en la que frecuentemente le pagaban con pan, manteca y chocolate en lugar de dinero, debido a la ruina económica del país.2

Durante la temporada 1922-1923 realizó 23 conciertos con once programas diferentes solamente en San Petersburgo2 y el 2 de enero de 1926 tuvo lugar su primera presentación fuera de Rusia, en Berlín. Luego tocó en París, Londres y Nueva York. Se radicó en Estados Unidos en 1940 y cuatro años después obtuvo la ciudadanía norteamericana.

Carrera en los Estados Unidos

El debut americano de Horowitz se efectuó en el Carnegie Hall el 12 de enero de 1928 interpretando el Concierto para piano Nº 1 de Chaikovsky con la dirección orquestal de Sir Thomas Beecham, quien también hacía su debut en Norteamérica. En la ocasión el pianista demostró la capacidad que mantendría durante toda su vida artística para emocionar a su audiencia.

En 1932 tocó por primera vez con la dirección de Arturo Toscanini, en una interpretación del Concierto para piano n.º 5, Emperador, de Beethoven. Ambos continuarían haciendo conciertos juntos y en 1933 se casaría con su hija, Wanda Toscanini (1907-1998). Ambos tuvieron una hija, Sonia (1934-1975), se separaron hacia 1948 - el pianista luchaba con su homosexualidad - reconciliándose en 1951.

A pesar de la clamorosa recepción de la audiencia, Horowitz se sintió frecuentemente inseguro de sus dotes como pianista. Muchas veces renunció a dar conciertos ya programados, y después de 1965 sus recitales como solista fueron muy pocos.

Grabaciones

Horowitz recibe la Medalla Presidencial de la Libertad, por el Presidente Ronald Reagan y la Primera Dama Nancy Reagan, el honor más alto otorgado por los Estados Unidos

A partir de 1928, después de establecerse en Estados Unidos, Horowitz realizó numerosas grabaciones, la primera de ellas para RCA Victor. A causa del impacto económico de la gran depresión, RCA permitió a sus artistas a continuar grabando con sellos europeos asociados, en este caso HMV de Londres. Así la primera grabación en Europa, en 1930, incluyó el estreno mundial del Concierto para piano Nº 3 de Rachmaninoff, con la orquesta sinfónica de Londres dirigida por Albert Coates. Hasta 1936 Horowitz continuó grabando obras de piano solista a través de HMV, incluyendo su famosa interpretación de 1932 de la Sonata en Si menor para piano de Liszt.

A partir de 1940 las grabaciones vuelven a realizarse en los Estados Unidos: durante esta época (1941) realiza su primera grabación del Concierto Nº1 para piano de Tchaikovsky con orquesta dirigida por Toscanini. En 1959 la RCA editó su concierto en directo de 1943 con el mismo director, que algunos críticos consideran de calidad superior a la grabación posterior.

Desde 1953, al inicio de un período de retiro público del intérprete, se graban varias obras en su casa de Nueva York, incluyendo piezas de Alexander Scriabin y Muzio Clementi. El primer registro en estéreo data de 1959, con sonatas para piano de Beethoven.

En 1962 inicia una serie de exitosas grabaciones para Columbia Records, entre ellas su retorno al Carnegie Hall en 1965, y la grabación en 1968 de su especial para televisión "Horowitz en televisión".3 Entre otras grabaciones premiadas, se encuentra su registro de 1969 de la Kreisleriana de Robert Schumann.

Y los rockeros, ya pueden ir tomando ejemplo ;-). Leo en El Pais:

" Atípica hasta el final, la carrera del austriaco Alfred Brendel (Weinsenberg, Moravia, 1931) prosigue después de su retirada de los escenarios como pianista, en 2008. El artista sigue teniendo la necesidad de interrogarse sobre música en particular y la vida en general, dando respuestas al público y a sí mismo: no para imponerlas, sino como estimulantes sugerencias intelectuales. Ayer, invitado por Ibercàmera, dictó una conferencia en el Palau de la Música de Barcelona, sobre El carácter musical en las sonatas de Beethoven y la noche del miércoles se proyectó en un céntrico cine de la ciudad el documental Man and mask, realizado el año 2000 por la BBC y la ZDF, un delicioso retrato de Brendel que da cuenta de sus múltiples intereses, desde la literatura y las artes plásticas hasta la buena compañía de amigos, preferentemente no músicos.

El humor es uno de los rasgos que siempre le caracterizó: "No fui un niño prodigio. No soy judío, al menos hasta donde yo sé, ni provengo de ningún país del este europeo. Mis padres no fueron músicos. Tengo una buena memoria, aunque no excepcional. No soy muy bueno en solfeo. O sea, no sé por qué he triunfado en la vida como músico", suelta al principio de la película, mirando a cámara con esos ojos de búho extraviado o de sabio en las nubes que siempre han predispuesto al público a simpatizar con él.

En el Palau de la Música, Brendel disertó sobre el "carácter" de las sonatas beethovenianas, una cuestión que viene persiguiéndole de antiguo, como escritor de ensayos musicales que también es (además de poeta, con varios libros publicados). "Una de las tareas más deliciosas del intérprete es la de intuir los móviles psicológicos que se esconden tras la partitura y que a menudo no pueden capturarse con palabras", destacó ayer al principio de su charla, para, acto seguido, establecer una antinomia entre "estructura" de la obra y "carácter" o, mejor, "caracteres", ya que en una misma pieza suelen encontrarse muchos, a menudo, contradictorios. Precisamente, la especificidad de la obra de arte es conseguir que convivan en la unidad.

Sentado al piano, ilustró sus teorías con vibrantes ejemplos musicales

Incluso en el punto de vista adoptado, Brendel se muestra como un músico atípico. Si los profesionales del pentagrama prefieren hablar de la estructura de la obra como dato objetivo incontrovertible y dejar el carácter para las elucubraciones de los amateurs, él se coloca del lado del carácter e intenta explicar, con encantadores ejemplos al piano, la intencionalidad psicológica y moral con la que el compositor se puso a escribir determinados motivos. Se mostró en plena forma ante el teclado a la hora de ilustrar los ejemplos: canturreando, con su característico espasmódico movimiento de mandíbula, fue desgranando los motivos con una pulcritud expresiva que dejó al público con ganas de oírle tocar una pieza de principio a fin.

Tratando de establecer una tipología del carácter de las sonatas beethovenianas, Brendel las clasificó como "pictóricas", como la Waldstein o la Appassionata; "elocuentes", como la Opus 7; o "de danza", como la célebre Pastoral, opus 28 (o la Séptima sinfonía, "apoteosis de la danza", en palabras de Wagner). No contento, aún introdujo posteriores categorías, como los cuatro elementos primordiales -el fuego, el aire, la tierra y el agua-, para concluir con un deseo que está escrito en el frontispicio de su arte: "El intérprete haría bien ocupándose de la estructura y el carácter como dos funciones que proceden de lugares diferentes, pero en la esperanza de que algún día se unan en algún punto donde el sufrimiento de la interpretación pueda transformarse en el consuelo de una experiencia satisfactoria". Se intuye tras estas poéticas palabras el compromiso moral del intérprete ante el público: sintetizar opuestos para hacer comprensible la obra bajo "un velo de orden", según dejó escrito Novalis.

Toda la carrera de Brendel, sus imperecederas interpretaciones de Beethoven, Mozart, Schubert o Liszt, nacen de esta tensión resuelta en un orden velado. En el reportaje televisivo aparece un fragmento largo del ensayo del pianista del Viaje de invierno de Schubert con el barítono Matthias Goerne: vale la pena repasarlo para entender hasta qué punto el "carácter" de la obra es un compromiso con cada una de las palabras del texto. En otro momento, es el director Simon Rattle quien confiesa que la primera vez que actuó con Brendel temió seriamente no poder dar el sinfín de matices de carácter que este le exigía.

"No sé por qué he triunfado en la vida como músico", dice en un documental

Brendel, el músico atípico, el autodidacta que tuvo su primer contacto con la música a través de las operetas que reproducía el fonógrafo del hotel de Krk, en la Costa Dálmata, regentado por sus padres, también fue pintor de joven, incluso llegó a realizar una exposición. Formado al margen de escuelas, sintetiza la libertad interpretativa y la necesidad de explicarla tan características del siglo XX. Hoy volverá a exhibir una y otra en una clase magistral que dictará en el Conservatorio del Liceo, acompañado por el Cuarteto Casals. Se ha retirado de la interpretación, pero su compromiso con el arte, está claro, sigue muy vivo. "

Quien entienda de que hablo, entendera lo que quiero decir.

En mi juventud, fui sirviente de su familia... 

Well I stumbled in the darkness
I’m lost and alone
Though I said I’d go before us
And show the way back home
IS there a light up ahead
I can’t hold onto very long
Forgive me pretty baby but I always take the long way home

Money’s just something you throw
Off the back of a train
Got a handful of lightening
A hat full of rain
And I know that I said
I’d never do it again
And I love you pretty baby but I always take the long way home

I put food on the table
And roof overhead
But I’d trade it all tomorrow
For The highway instead
Watch your back if I should tell you
Loves the only thing I’ve ever known
One thing for sure pretty baby I always take the long way home

You know I love you baby
More than the whole wide world
I’m your woman
You know you are my pearl
Let’s go out past the party lights
We can finally be alone
Come with me and we can take the long way home
Come with me, together we can take the long way home
Come with me, together we can take the long way home

( Original by Tom Waits )

Debe ser por la manera en que te ríes,
como te anudas la bufanda antes de irte,
debe ser por tu estrabismo,
aunque yo te llame bizco,
debe ser que estás dentro de mí.

Y debe ser porque hemos ido hasta Florencia,
y porque hemos paseado por Venecia,
y porque juntos hasta los Picos de Europa,
y porque has ido el primero en dejarme sin la ropa.

Y por ir juntos siempre al cine,
y no querer que la película termine,
y porque a oscuras yo me achucho a tí,
tu me descubres mirando de reojo tu naríz.

Por recorrernos todas las zapaterías,
buscando esas malditas botas que querías,
y porque tengo una muñeca de escayola,
y en mi cuarto 101 dálmatas que no me dejan estar sóla.

Y por meterte conmigo a cada instante,
por no ponerte ese par de feos guantes,
y aunque intento no querete demasiado,
sé que un poco me has dejado calentito el corazón.

Y aunque no entiendo nada, nada de la vida,
no me arrepiento nada, de nada de la mía,
y porque te quiero tanto, tanto me pregunto,
si puedo inventar un mundo,
en el que no exista el adiós

Para bajarsela, pues por aqui. 

Acecha en la carretera...

Porque soy muy mala persona, ya lo sabeis ;-).

Joer, parece que ha comido Claviceps purpurea ;-).

Independiente.

Demasiada letra. La autentica cancion de trabajo es:

Oro,oro,loro,orooooo.

Desde La Voz de Galicia:

" Con su último disco, Guerra fría, Malú sorprendió a propios y extraños con un cambio de registro que la animó a componer sus primeras canciones. Esta noche, a las 23.30, la sobrina de Paco de Lucía presentará todos estos temas en la plaza de García Naveira de Betanzos.


-Su último disco muestra una Malú más arriesgada.

-Sí, aquí ya no hay tanta alma flamenca, es más agresivo musicalmente y, sobre todo, más optimista.


-Y con temas propios.

-Es un trabajo que me ha dado muchísima seguridad en mí misma. Hacer mis pinitos como autora, meterme también en labores de producción... Ha sido un gran cambio, pero el público supo apreciarlo y ha respondido muy bien.


-¿Cómo se traducen estos cambios sobre el escenario?

-Es probablemente la gira más divertida que he hecho nunca, la que más estoy disfrutando, con todo el dinamismo que lleva el último disco. Pero no me ceñiré a Guerra fría, haré un balance de toda mi carrera. Son dos horas de show, y eso da para mucho. Lo único que quiero es que los asistentes tengan una sonrisa en la cara al acabar el concierto.


-Con su primer disco, «Aprendiz», vendió más de 400.000 copias y contó con colaboraciones de Alejandro Sanz o Pedro Guerra. ¿Cómo se recupera uno de eso?

-Pues trabajando y luchando por lo que realmente quería, que era tener una carrera sólida y coherente. Por un lado, aquello fue precioso, una bonita carta de presentación. Pero por otro, empezaron a mirarme con lupa en todo lo que hacía, había generado muchas expectativas. Pero han pasado 14 años de aquello y creo que puedo mirar atrás con orgullo. Aunque en el fondo sigo siendo una aprendiz. No hay que estancarse, hay que evolucionar y seguir aprendiendo siempre.

fernando molezún "

Voy a quemarlo todo...Y lo hago sin rencor. 

Si, vamos, asi de buen rollito ;-).

Aaaaaaaaaaaaaandeleeeeeeeeee, comadreeeeee.

Dedicada a ti :-). Ya sabes quien eres.

Soy de aquellos que sueñan con la libertad
capitán de un velero que no tiene mar
soy de aquellos que viven buscando un lugar
soy Quijote de un tiempo que no tiene edad.

Y me gustan las gentes que son de verdad
ser bohemio, poeta y ser golfo, me va
soy cantor de silencios que no vive en paz
que presume de ser español donde va.

Y mi Dulcinea, ¿dónde estarás?
que tu amor no es fácil de encontrar.
Quise ver tu cara en cada mujer
tantas veces yo soñé que soñaba tu querer.

Soy feliz con un vino y un trozo de pan
y también. ¡cómo no!, con caviar y champán
soy aque vagabundo que no vive en paz
me conformo con nada, con todo, y con más.

Tengo miedo del tiempo que fácil se va
de las gentes que hablan, que opinan de más
y es que vengo de un mundo que está más allá
soy Quijote de un tiempo que no tiene edad.

Y mi Dulcinea, ¿dónde estarás?
que tu amor no es fácil de encontrar.
Quise ver tu cara en cada mujer
tantas veces yo soñé que soñaba tu querer,
tantas veces yo soñé que soñaba tu querer.

12 canciones para votar.

Dice el DRAE que:

zarabanda.

(De or. inc.).

1. f. Danza lenta, solemne, de ritmo ternario, que, desde mediados del siglo XVII, forma parte de las sonatas.

2. f. Cosa que causa ruido estrepitoso, bulla o molestia repetida.

3. f. Lío, embrollo.

4. f. Danza popular española de los siglos XVI y XVII, que fue frecuentemente censurada por los moralistas.

5. f. Copla que se cantaba con esta danza.

6. f. Guat. y Hond. Baile o jolgorio popular.

7. f. Méx. Zurra, tunda, paliza.

Si tu aimes les soirs de pluie
Mon enfant, mon enfant
Les ruelles de l’Italie
Et les pas des passants
L’éternelle litanie
Des feuilles mortes dans le vent
Qui poussent un dernier cri
Crie, mon enfant

Si tu aimes les éclaircies
Mon enfant, mon enfant
Prendre un bain de minuit
Dans le grand océan
Si tu aimes la mauvaise vie
Ton reflet dans l’étang
Si tu veux tes amis
Près de toi, tout le temps

Si tu pries quand la nuit tombe
Mon enfant, mon enfant
Si tu ne fleuris pas les tombes
Mais chéris les absents
Si tu as peur de la bombe
Et du ciel trop grand
Si tu parles à ton ombre
De temps en temps

Si tu aimes la marée basse
Mon enfant, mon enfant
Le soleil sur la terrasse
Et la lune sous le vent
Si l’on perd souvent ta trace
Dès qu’arrive le printemps
Si la vie te dépasse
Passe, mon enfant

{Refrain:}
Ça n’est pas ta faute
C’est ton héritage
Et ce sera pire encore
Quand tu auras mon âge
Ça n’est pas ta faute
C’est ta chair, ton sang
Il va falloir faire avec
Ou, plutôt sans

Si tu oublies les prénoms
Les adresses et les âges
Mais presque jamais le son
D’une voix, un visage
Si tu aimes ce qui est bon
Si tu vois des mirages
Si tu préfères Paris
Quand vient l’orage

Si tu aimes les goûts amers
Et les hivers tout blancs
Si tu aimes les derniers verres
Et les mystères troublants
Si tu aimes sentir la terre
Et jaillir le volcan
Si tu as peur du vide
Vide, mon enfant

{au Refrain}

Si tu aimes partir avant
Mon enfant, mon enfant
Avant que l’autre s’éveille
Avant qu’il te laisse en plan
Si tu as peur du sommeil
Et que passe le temps
Si tu aimes l’automne vermeil
Merveille, rouge sang

Si tu as peur de la foule
Mais supportes les gens
Si tes idéaux s’écroulent
Le soir de tes vingt ans
Et si tout se déroule
Jamais comme dans tes plans
Si tu n’es qu’une pierre qui roule
Roule, mon enfant

{au Refrain}

Mon enfant

Para ti :-).

Tal vez por eso me cuesta tanto...Decirte adios.

¿Quizas soy demasiado viejo? ¿O mi corazon es demasiado joven? ;-).

Linho do cuco.

Cartas de amor...

HAPPY CHRISTMAS YOKO,
HAPPY CHRISTMAS JULIAN

SO THIS IS CHRISTMAS,
AND WHAT HAVE YOU DONNE
ANOTHER YEAR OVER,
AND A NEW ONE JUST BEGUN.
AND SO THIS IS CHRISTMAS,
I HOPE YOU HAVE FUN,
THE NEAR AND THE DEAR ONE,
THE OLD ONE AND THE YOUNG.

(CHORUS)
AND A VERY MERRY CHRISTMAS
AND A HAPPY NEW YEAR
LET´S HOPE IT´S A GOOD ONE
Letras4U.com » letras traducidas al español
WHITOUT ANY FEAR.

AND SO THIS IS CHRISTMAS,
FOR WEAK AND FOR STRONG,
FOR RICH AND THE POOR ONES,
THE WORLD IS SO WRONG.

AND SO HAPPY CHRISTMAS
FOR BLACK AND FOR WHITE,
FOR YELLOW AND RED ONES,
LET´S STOP ALL THE FIGHT.

(CHORUS)

WAR IS OVER,
IF YOU WANT IT
WAR IS OVER NOW!

Nunca te fies de un raton de biblioteca. Los calladitos SOMOS los peores...:-). Me encanta este video...

Tengo una amiga que me va a matar por poner este video, con un musico que le encanta y otro que odia, a duo....De algo hay que morir :-).

Galicia...

Mi Señora...

que no hay un sitio donde yo este mas a gusto que durmiendo en tu ombligo.

Ante tus ojos, nunca me daria vergüenza amarte tanto...

Conque apunte el escribano, que al causante de mis males,por jurar cariño en vano...lo mato Lola Puñales.

Mentiras para corazones escondidos...

Y que digan los amigos...es una buena mujer...

Sweet home, Alabama.

Miña Terra Galega.

Barata salio la cosa. Lo de Cristo fueron al menos 30 ;-).

Para a dona da Terra da Chispa... Coidate sempre. Cantas cancions realmente populares estan a desaparecer para sempre...

¿No seria precioso poder seguir diciendolo a los 40... ;-)?

Pero aun asi siempre te invitare a un cafe mas, mi amor...

"Piratea" esta cancion ;-).

www.deezer.es

No uses este enlace si no quieres hacer llorar a Teddy...

...pero tengo miedo
a uno de tus besos
miedo al ultimo al que duele
que se va y que ya no vuelve...

ALMA MÍA
(M. Grever)

Alma mia, sola siempre sola,
sin que nadie comprenda tu sufrimiento,
tu horrible padecer;
fingiendo una existencia
siempre llena de dicha y placer
de dicha y de placer.

Si yo encontrara un alma como la mía
cuantas cosas secretas le contaría
un alma que al mirarme sin decir nada
me lo dijese todo con la mirada

Un alma que embriagase con suave aliento
y a veces me pregunto que pasaría
si yo encontrara un alma como la mía.

E lembrade que a mar é unha mala muller e nunca podes confiar nela ...

¿Quien no ha tenido un domingo asi?

La pesadilla de mucha gente :-).

Quien, Ricardo Arjona.

Dieciocho motivos pa’dejarte  
Catorce consejos pa’olvidar  
Quinientas razones para odiarte  
Saco la cuenta y a sumar  
 
Millones de ovejas pa’desvelo  
Coctel de pastillas pa’dormir  
Catorce las muestras de tu pelo  
Como cuchillos de Faquir  
 
¿Cuándo fue que se fue tu amor?  
¿Cómo fue que se fue sin mí?  
Que no amanezca por favor  
 
Se trepa la luz por la ventana  
Se escuchan los autos por ahí  
Tu ADN está en la cama  
Y yo lo clono para mí  
 
De tantas formas siento miedo  
Que he preferido no salir  
Sesenta veces dije puedo  
Ochenta más me arrepentí  
 
¿Cuándo fue que se fue tu amor?  
¿Cómo fue que se fue sin mí?  
 
¿Quién te besó, lejos de aquí?  
Mientras te inventaba en la cama  
¿Quién te rozó, lejos de mí?  
¿Quién te acompaña esta mañana?  
¿Cuánto perdí, quién te ganó?  
¿Qué hago con este miedo a futuro?  
Saco la cuenta y a restar...  
 
Son siete lunes por semana  
Son treinta inviernos cada mes 
Las horas son de porcelana  
La vida un juego de ajedrez  
Dejaste minas en la casa  
Con objetivos de matar  
La vida llora cuando pasa  
La suerte ríe en el placard  
 
¿Cuándo fue que se fue tu amor?  
¿Cómo fue que se fue sin mí?  
 
¿Quién te besó, lejos de aquí?  
Mientras te inventaba en la cama  
¿Quién te rozó, lejos de mí?  
¿Quién te acompaña esta mañana?  
¿Cuánto perdí, quién te ganó?  
¿Qué hago con este miedo a futuro?  
 
Dejaste tu sombra merodiando sin permiso por la casa  
La huella en la alfombra de tu espalda  
Como un crater en la luna  
Y tu reflejo en el espejo...  
 
¿Quién te besó, lejos de aquí?  
Mientras te inventaba en la cama  
¿Quién te rozó, lejos de mí?  
¿Quién te acompaña esta mañana?  
¿Cuánto perdí, quién te ganó?  
¿Qué hago con este miedo a futuro?  
Saco la cuenta y a restar.....  
 
¿Quién te ganó?  
¿Quién te besó, lejos de aquí?  
¿Quién te acompaña esta mañana....?

Copio y pego desde Publico:

" 

HENRIQUE MARIÑO Madrid 24/09/2010 22:00

Portada de un disco de Ana Kiro. 

Habrá un día en que todos
al levantar la vista
veremos una tierra
que ponga LIBERTAD

Hermano, aquí mi mano
será tuya en mi frente
y tu gesto de siempre
caerá sin levantar
huracanes de miedo
ante la LIBERTAD

Haremos el camino
en un mismo trazado
uniendo nuestros hombros
para así levantar
a aquellos que cayeron
gritando LIBERTAD

Habrá un día en que todos
al levantar la vista
veremos una tierra
que ponga LIBERTAD

Sonarán las campanas
desde los campanarios
y los campos desiertos
volverán a granar
unas espigas altas
dispuestas para el pan

Para un pan que en los siglos
nunca fue repartido
entre todos aquellos
que hicieron lo posible
por empujar la historia
hacia la LIBERTAD.

Habrá un día en que todos
al levantar la vista
veremos una tierra
que ponga LIBERTAD

También será posible
que esa hermosa mañana
ni tú, ni yo, ni el otro
la lleguemos a ver,
pero habrá que empujarla
para que pueda ser.
Que sea como un viento
que arranque los matojos
surgiendo la verdad
y limpie los caminos
de siglos de destrozos
contra la LIBERTAD.

Habrá un día en que todos
al levantar la vista
veremos una tierra
que ponga LIBERTAD.

Lo de los besos en sus labios  haciendo la señal de la cruz es romantico...Hasta que lo visualizas. Menudo morreo ;-).

11 de septiembre. Ni Diadas ni aviones ni rascacielos ( ni Pentagonos, si algun medio español recuerda comentarlo ). Hay cosas mas importantes cualquier dia del año.

De perdidos, al rio. Ya pustos a morir, tocar los cojones todo lo que se pueda. Jehova, Jehova.

Postdata. Si no pillais el chiste de Jehova...

Todos tenemos nuestras fantasias raritas ;-).

Y aun sabiendolo, alargaremos la mano para cojer el fusil y...

♪ La Trampa: Acércate y bésame ♪

Desnúdate despacio
como si fuera la primera vez
quiero sentir que tu aliento me quema la piel.

Siéntate aquí a mi lado
me gusta tenerte cerca de mi
y yo te bajare las estrellas si tu apagas mi sed.

Porque hoy me siento solo
entre la multitud
y si hay alguien que quiera encontrarme quién si no tu.

Acércate y bésame
quiero que lo hagas como yo te enseñe
a que esperas mujer si el cielo esta bajo nuestros pies.

Dime que no estoy soñando
dime que sientes lo mismo que yo
y entonces buscare el paraíso en tu habitación.

Nena a que estas esperando
si no tenemos nada que perder
y otra vez estoy temblando sin querer.

Más información:
Discografía de La Trampa
Biografía de Pablo Perea (cantante de La Trampa).

Desde aqui.

* Castilla.

* Coplas del Pueblo.

* La Lola se va a los puertos.

A partir del minuto 1:20 es cuando empieza la parte interesante :-).

Contra esas medidas para reducir el deficit creado para regalar dinero a los bancos.

Que rudo suena el japones en mis oidos. Y, sin embargo, la musica suena tan universal y sugerente...

Los que sepan frances pillaran el chiste del titulo...Sino, es igual, yo pago los chocolates en el Cafe Puskin...

Fijaos en como, a medio video, la cancion y el ritmo se vuelven medio rusos, medio cosacos, con las palmas....El que vale, vale :-).

Y no estas a mi lado, mujer de mi vida.

Revisando posts antiguos, note que este video habia sido borrado. Ahi esta de nuevo.

Por alguna razon extraña, esta cancion me recuerda a esto...

El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos países hispanoamericanos.

Raíces 

Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero.

En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas .

Orígenes e historia 

Aunque existen diversas teorías sobre el origen del bolero , alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este genero musical, que más tarde se extendió por Latinoamérica.

José Pepe Sánchez ‎.

El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886^{[cita requerida]}; aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos «clásico» (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XlX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra^[1]

Subgéneros del bolero 

La impronta musical de Cuba se hizo sentir no sólo con el bolero sino con el son, el danzón, la guaracha, el mambo y el cha-cha-chá, entre otros. Los países de la cuenca del gran Caribe hispano asumieron pronto como propio el producto que Cuba les daba entre la década de los veinte y los treinta. Eso permitiría la fusión y el engrandecimiento del bolero con otros géneros musicales, dándose como resultados los subgéneros: bolero rítmico, bolero cha-cha-chá, bolero mambo, el bolero ranchero (mezcla de bolero y mariachi mexicano), el bolero son (creación de Miguel Matamoros), el bolero moruno (bolero con mezclas gitanas e hispánicas) e inclusive la bachata, una especie de bolero originado en los suburbios marginados de República Dominicana.

Desarrollo y orquestación del bolero 

Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935–1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano.

Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó a dicho género musical sureño sin un destacado intérprete. Por ello decayó el afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano.

También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego lo de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes.

Otro factor que contribuyó al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia.

Decadencia y resurrección del bolero 

La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo «romántico», que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue.

No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de su exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días.

Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop.

La llamada «resurrección» realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Carlos Cuevas, Edith Márquez o Mijares y el surgimiento de Rodrigo de la Cadena el mejor bolerista de hoy en día en México; si bien tiene méritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero.

Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.

Baile 

El ritmo del bolero es de un compás de cuatro tiempos. En el primer tiempo la pareja, uno frente a otro y con los cuerpos pegados, solo mueve la pelvis, en el segundo da un paso rápido, en el tercero también, y en el cuarto da un paso lento; todo esto mientras se gira lentamente hacia la izquierda. Esta forma de bailar tan simple lo hizo popular en todo el mundo, en todos los ambientes y entre todas las clases sociales.

Exponentes del género 

A continuación se listan por país de origen los nombres de los más reconocidos compositores e interpretes de boleros:

• En Argentina: Leo Marini (Alberto Batet Vitali), Carlos Argentino (Israel Vitenszteim Vurm), Hugo Romani (Francisco Antonio Bianchi), Roberto Yanes, Gregorio Barrios, Chito Galindo, Fernando Torres, Danni Martin, Chico Novarro, Los 5 Latinos, Estela Raval, Violeta Rivas, Ramón "Palito" Ortega, el Trío Los Patricios, María Martha Serra Lima, Mara Lua y los Nocturnos, Maria Graña y Daniel Riolobos.Si reconocemos que la balada le dio un auge al bolero, tenemos que reconocer a Roberto Sanchez alias Sandro, como uno de sus maximos exponentes en América.
• En Bolivia: Raúl Shaw Moreno.
• En Brasil: Agostinho, Miltinho (Milton Santos de Almeida), Altemar Dutra, Los Indios Tabajaras, Simone (Simone Bitencourt De Oliveira), Bob Fleming (solista de saxo), Orquesta Serenata Tropical y Orquesta Románticos de Cuba.
• En Chile: Raúl Videla, Antonio Prieto, Palmenia Pizarro, Sonia y Miriam, Rosamel Araya, Trío Inspiración, El Indio Araucano (Oswaldo Gómez), Mona Bell, Los Hermanos Arriagada, Los Huasos Quincheros, Los 4 de Chile, Estercita Soré y Lucho Gatica.
• En Colombia: Amparito Muñiz, Carlos Julio Ramírez, Alberto Osorio, Bob Toledo (Alberto Basmagi), Víctor Hugo Ayala, Nelson Pinedo, Lucho Ramírez, Lucho García, Trío Martino, Trío Carabell, Trío Los Isleños, Oscar Agudelo, Alci Acosta, Tito Cortés, Juan Carlos Coronel, Carlos Arturo, Charlie Zaa y Andrés Cepeda.
• En Costa Rica: Ray Tico, Memo Neyra, Rafa Pérez, Orquesta Maryval, Trío los Josefinos y Gilberto Hernández.
• En Cuba: Los Hermanos Rigual, Antonio Machín, René Cabel, Beny Moré (Bartolomé Maximiliano Moré), Barbarito Díez, Ibrahim Ferrer, Vicentico Valdés, Fernando Albuerne (Luis Fernando Albuerne Garcell), Roberto Ledesma (Roberto José Ledesma Gayton), Rolando Laserie, Orlando Contreras, Fernando Álvarez, María Teresa Vera, Bertha Dupuy, Rita Montaner, La Lupe (Guadalupe Yoly Raymond), Celia Cruz, Blanca Rosa Gil, Olga Guillot, Omara Portuondo, Xiomara Alfaro, Elena Burke, Pablo Milanés, Bienvenido Granda, Lucrecia, Ramón Armengod y César Portillo de la Luz.
• En Ecuador: Julio Jaramillo, Olimpo Cárdenas, Lucho Bowen, Julio César Villafuente, Trio los tres brillantes, Hugo Hidrovo, Héctor Napolitano, Victor Galarza, Enrique Gallegos Arends, Patricia González, Segundo Rosero, Mireya Levi, Duo Almar Pepe Jaramillo, Gabriel Vargas, Carlota Jaramillo, Marcelo Sánchez, Niko Pavón, Victor Armijos, Rafel Jervis, Guillermo Rodríguez, Rosalino Quintero, Wilson Carpio, Alberto Santana y Los Embajadores de Ecuador.
• En España: Los Tres de la Noche, Bambino, Moncho, Bonet de San Pedro, Juanito Segarra, Jorge Sepúlveda, Gregorio Barrios, Dyango, Gloria Lasso, Mayte Martín, Pasión Vega, Martirio, Ana Reverte, y Tamara.
• En Estados Unidos: Nat King Cole (Nathaniel Adams Cole), Eydie Gormé y Linda Ronstadt.
• En México: Pedro Infante, Javier Solís, Agustín Lara, María Grever, Consuelo Velázquez, Ignacio Fernández Esperón, Pepe Guizar, Los Panchos, Alfonzo Ortíz Tirado, Juan Arvizu, Luis Arcaraz, Pedro Vargas, Jorge Negrete, Ana María González, Toña la Negra, Graciela Olmos, Genaro Salinas, Nicolás Urcelay, José Mojica, María Luisa Landín, Roberto Cantoral, Los Hermanos Martínez Gil, Los Tecolines, Los Soberanos, Los Tres Diamantes, Los Santos, Los Tres Caballeros, Los Dandys, Los Tres Reyes, Rodrigo de la Cadena, Los Ases de Juan Neri, José José,Marco Antonio Muñiz, Sonia López, Armando Manzanero, Eugenia León, Fernando Fernández, Luis Miguel. En agrupaciones de estilo tropical encontramos a la Sonora Santanera como la Sonora Siguaray por mencionar algunos.
• En Nicaragua: Rafael Gastón Pérez, Octavio Latino, Camilo Zapata, Edmundo Guerrero, Adán Torres, Víctor M. Leiva, Tino Lopez Guerra.
• En Panamá: Carlos Eleta Almarán, José Luis Rodríguez Vélez, Chino Hassan (Arturo Hassan Lasso), Ricardo Fábrega.
• En Paraguay: Los Tres Sudamericanos.
• En Perú: Lucho Barrios, Pedro Otiniano, Iván Cruz, Johnny Farfán, Guiller, Gaby Zevallos, Los Hermanos Castro, Los Morunos, Carmencita Lara, Cholo Berrocal y Christopher Sánchez, Anamelba, Gaby Zevallos, Vicky Jiménez, Linda Lorens.
• En Puerto Rico: Daniel Santos, Tito Rodríguez (Pablo Tito Rodríguez Lozada), Vitín Avilés, José Luis Moneró, Bobby Capó, Julio "Julito" Rodríguez, Roberto Cole, Hernando Avilés, Myrtha Silva, Carmen Delia Dipiní, Johnny Albino, Trío San Juan, Trío Vegabajeño, Chucho Avellanet, Odilio González, José Feliciano, Cheo Feliciano, Santos Colón, Andy Montañez, Trío los Yeica, Danny Rivera y Eddie Ricardo.Seria injusto no reconocer la aportación de Cheito González al bolero en Puerto Rico. Hay que re-escribir la historia del bolero en Puerto Rico, pues dejan fuera al Trio San Juan. Chago, Ola y Albino formaron un Trio que dejo sus huellas en nosotros los Puertorriqueños.
• En República Dominicana: Juan Luis Guerra, Luis Alberti, Lope Balaguer, Bienvenido Brens, Elenita Santos, Teté Marcial, Nicolás Casimiro, Juan Lockward, Luis Kalaff, Julito Deschamp, Camboy Estévez, Aníbal De Peña, Rafael Colón, Rafael Solano, Alberto Beltrán y Maridalia Hernández.
• En Venezuela: Lorenzo González, Lorenzo Herrera, Graciela Naranjo, Estelita Del Llano, Marco Tulio Maristani, Rafa Galindo, Luisín Landáez, Alfredo Sadel, Carlos Marroquí, Pedro La Corte, Felipe Pirela, José Luis Rodríguez "El Puma", Mirtha Pérez, Toña Granados, Floria Márquez, Wladimir Lozano, Oscar D’León (Oscar Emilio León Simoza), Los Naipes, Ely Méndez, La Rondalla Venezolana y Los Hermanos Rodríguez.

Referencias 

• Cien años de boleros Jaime Rico Salazar ISBN: 958-33-1431-5
• Historia del bolero latinoamericano
• Historia del bolero cubano 1883-1950, Luis Antonio Bigott, Ediciones Los heraldos negros.
• Alberto Cervantes y la historia del bolero en México, Samuel Flores Longoria.
• Bolero: Historia documental del bolero mexicano, Pablo Dueñas H.

Enlaces externos 

• Tras las huellas del bolero.
• Trova Yucateca - Partituras.
• Canciones de Trova Yucateca con acordes.
• Bailes y Danzas Populares
• Sitio web de Mabel Nash
• Comosuena
• Página del bolerista argentino Hugo Romani

En este mundo sin logica, mi amor, no habra nadie como tu o como yo que...

Como tú, en mi vida no habrá nadie como tú
Que me escriba un poema y que dibuje en la arena
Un corazón con mi nombre

Yo trate, de olvidarte pero no lo conseguí
Si estoy sola pienso en ti, entre la gente pienso en ti
Me doy cuenta que no se vivir sin ti

Nadie como tú, en mi vida
Nadie como tú, en mis sueños
Nadie que me bese y que me abrace
O que me llame a cualquier hora
Solo para saber como estoy

Nadie como tú, en mi vida
Nadie como tú, en mis sueños
Yo te necesito me haces falta
Como el aire, como el agua, mi gran amor

Pienso en ti cada día, cada noche
Pienso en ti, cuando llueve o sale el sol
O si escuchó una canción, simplemente
Todo me recuerda a tí

Nadie como tu, en mi vida
Nadie como tu en mis sueños
Nadie que me bese, que me abrace
O que me llame a cualquier hora
Solo para saber como estoy

Nadie como tú, en mi vida
Nadie como tú, en mis sueños
Nadie que me bese, que me abrase
O que me llame a cualquier hora
Solo para saber como estoy

Nadie como tú, en mi vida
Nadie como tú, en mis sueños
Nadie que me bese o que me abrace
O que me llame a cualquier hora
Solo para saber como estoy

Tu y yo planeando comprar un pollo asado para comer en casa ese domingo....

Londres. Tu y yo. Una partida de wargame abandonada para estar contigo...

Probando el nuevo sistema de insercion de YouTube.

¿Te acuerdas, German? Fue un sabado, mientras traducia al frances....

Uno de esos videos que me hacen sentir viejo... Y es que yo pensaba que era distinto, porque me llamaban poeta, y tenia un mundo propio, mas alla de las estrellas...

Todos saben que has llegado hoy
despues de tantos años ahora estoy
deseando estar un rato a solas, a solas

Sácame un ratito a pasear
a ningún sitio en particular
solo quiero ir de tu brazo a solas, a solas

Pablo encontró algo de aquel vino
Laura un vestido azul
llevate algo por si luego refresca
solo será un fiesta para estar contigo

A solas

Pablo encontró algo de aquel vino
Laura un vestido azul
llevate algo por si luego refresca
solo será un fiesta para estar contigo

Todos saben que has llegado hoy
despues de tantos años ahora estoy
deseando estar un rato a solas, a solas

A solas
A solas

El que diseño el video era un gamberro ;-). Vedlo entero.

Una cancion preciosa.

Naaa, es mentira, preciosa. Te seria fiel durante esas tres vidas...

Oh, que bonito es el amor

Bohemian Rhapsody

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Bohemian Rhapsody (traducible al español como rapsodia bohemia) es una canción de la banda de rock británica Queen. La compuso Freddie Mercury para el álbum de la banda de 1975 titulado A Night at the Opera. «Bohemian Rhapsody» se encuentra dentro del estilo del monólogo de pesadilla, desconocido para la música pop de la época. La canción, en efecto, no posee estribillo, en lugar de lo cual se compone de secciones aparentemente inconexas que incluyen fragmentos de ópera, un pasaje a cappella y un solo heavy metal.

Cuando se publicó como sencillo, «Bohemian Rhapsody» se convirtió en un gran éxito comercial, que permaneció a la cabeza de la lista de sencillos británica durante nueve semanas consecutivas. Además, se transformó en uno de sus sencillos más vendidos en el Reino Unido (alcanzando una cifra de ventas de 2.176.000 unidades), sólo superado por «Do They know It’s Christmas?» de Band Aid y «Candle in the Wind» de Elton John.^[1]

El sencillo estaba acompañado por un video promocional que fue considerado novedoso y que ayudó a establecer los cimientos del lenguaje visual de los videos musicales modernos. Aunque las críticas que recibió fueron diversas, especialmente de Estados Unidos, se considera que «Bohemian Rhapsody» es el magnum opus de Queen y una de las mejores canciones de todos los tiempos.^{[1] [2]}

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Historia

Freddie Mercury, escritor de "Bohemian Rhapsody".

Freddie Mercury escribió la mayor parte de la letra y la música de Bohemian Rhapsody en su casa en Holland Road, Kensington, en el oeste de Londres.^[3] El productor Roy Thomas Baker relató cómo Mercury tocó para él en una ocasión la sección de balada que daba inicio al tema: «Tocó el comienzo en el piano, luego paró y dijo: "¡Y aquí es donde la sección operística entra!" Luego nos fuimos a cenar».^{[4] [5]} El guitarrista Brian May dijo que la banda pensó que el plan de Mercury para la canción era «intrigante y original, y digno de ser trabajado».^[4] Gran parte del material de Queen, según May, se escribía en el estudio, pero esta canción «estaba toda en la mente de Freddie» antes de que se empezara con el trabajo, por esta razón, la banda denominó al esbozo de la canción como "Fred’s Thing" (traducible como "El asunto de Fred"), al finalizarse la grabación la banda decidió llamar al single Bohemian Rhapsody.^[3]

La canción se grabó en tres semanas, comenzando el 24 de agosto de 1975 en el Rockfield Studio 1, cerca de Monmouth, luego de un ensayo de tres semanas de duración en Herefordshire.^[5] Durante el proceso de grabación, fueron necesarios además cuatro estudios adicionales: Roundhouse, SARM (Este), Scorpion y Wessex.^[6] De acuerdo con algunos miembros de la banda, Mercury preparó mentalmente la canción de antemano y dirigió a la banda durante todo el proceso de grabación. Usaba un piano de cola Bechstein, que tocó en el video promocional y en el tour por el Reino Unido. Fue el sencillo más caro jamás hecho y sigue siendo una de las grabaciones más elaboradas de la historia de la música.^[5]

Dado que los estudios de ese tiempo sólo ofrecían grabaciones en cintas análogas de 24 pistas, fue necesario que los tres se grabaran muchas veces y «rebotar» esto a sucesivas submezclas. Al final, se usaron cintas de octava generación.^[5] Éstas se pasaron por los cabezales de grabación tan a menudo que la capa de óxido empezó a salirse, y las cintas, que eran normalmente oscuras, se volvieron casi transparentes. Varias secciones de la cinta que contenían las submezclas deseadas tuvieron que ser empalmadas (en otras palabras, cortadas con hojas de afeitar y ensambladas en la secuencia correcta usando cinta adhesiva).^[7]

Título y significado

El título de Bohemian Rhapsody, el cual traducido a idioma español es Rapsodia Bohemia, ha sido tema central entre fanáticos de Queen y musicólogos ya que al igual que el significado de la letra, no tiene un significado claro.

La musicóloga Sheila Witheley sugiere que «el título se basa en gran medida en la ideología contemporánea del rock, el individualismo del mundo de los artistas bohemios del movimiento underground de la década del 1970, afirmando con la palabra ’rapsodia’ los ideales románticos del rock artístico».^[8] En cuanto al aspecto «bohemio», Judith Peirano dice que «Mercury concibió... [esta canción] como una "ópera bufa", algo que se salía de la norma de las canciones de rock y esto sigue una forma lógica de operar: los coros de muchas voces en varias pistas alternados con solos vocales parecidos a arias, las emociones son exageradas, el argumento, confuso».^{[9] [10]}

Durante una gira por Irán, según cuenta el famoso profesor de música clásica y director de orquesta Marcelo Arce, Freddie Mercury grabó una cinta en idioma farsi con el significado de la letra y el título de la canción:

• La Rapsodia, forma creada por Franz Liszt, es una canción o composición dentro de la cual es claramente dividida por secciones con tempos y arranques distinos.^[11]

• En Bohemia, región del este de Europa, es donde se celebró el pacto entre Fausto (El protagonista de Bohemian Rhapsody) y Belcebú (una de las reencarnaciones más antiguas del Demonio)^[12]

El significado de la letra, según Mercury es sobre un joven asesino que le confiesa a su madre que ha matado a un hombre:

• Balada: un joven asesino, el cual le confiesa a Mama que ha matado a un hombre y que sabe que va a morir.

• Solo de Guitarra: la respuesta de Mama, sobre los dichos del protagonista principal.^[13]

• Opera: La guerra entre los ángeles y el Demonio (nombrado Belcebú) por el alma del joven.

• Rock: Belcebú exclamandole al protagonista que no puede romper el trato entre ellos tan fácil.^[14]

• Outro: El joven protagonista recupera su alma, exclamando la frase "...Nothing Really Matters..." (Ya nada realmente importa), y la respuesta de las voces en lo alto "...Anyway The Wind Blows..." (De cualquier manera sopla el viento); en el Romanticismo la última frase de la canción expresa la llegada al Paraíso.^[15]

Letra y estructura

Desde que se lanzó al público “Bohemian Rhapsody”, ha habido especulaciones sobre el significado que se esconde detrás de la letra de la canción. Una común, pero errada interpretación, es que la canción trata de una persona con SIDA, habiendo sido escrita más de una década antes de que Freddie Mercury portara el VIH, e incluso siete años antes de que éste fuera considerado un virus.^[16] Algunos creen que la letra trata de un suicidio o una representación de los momentos previos a una ejecución, considerando El extranjero de Albert Camus como una probable inspiración. Otros creen que la letra fue escrita sólo para encajar con la música, sin tener ningún sentido.^[17]

Mercury fue muy evasivo cuando se le preguntó por el significado de la canción. A diferencia de los demás miembros de la banda, quienes constantemente hablaban sobre la inspiración presente en sus canciones, a Mercury no le gustaba analizar su propio trabajo, y prefería que el público tuviera sus propias interpretaciones. Lo que sí se sabe es que la canción tiene una conexión muy personal con éste, lo cual fue afirmado por los otros miembros de la banda.^[17]

La canción está compuesta por seis secciones diferentes: introducción, balada, solo de guitarra, ópera, hard rock y final.^[18] Este formato, repleto de cambios abruptos de estilo, tono y ritmo, fue inusual para la música rock de la época.

Introducción (0:00–0:48)

La canción empieza con una introducción a capella de los cuatro integrantes de la banda en Si♭. En el video los cuatro integrantes hacen sincronía de labios, ya que todas las voces de la sección eran partes empalmadas de Mercury, May y Taylor, después de los primeros quince segundos, entra el piano y la voz de Mercury se alterna con las otras partes vocales. La letra presenta al narrador, el cual cuestiona si la vida es real o si es una fantasía:

Concluyendo con que no hay escape a la realidad, además de ver si sus actos deforman la realidad en la que él vive. El narrador se define como un "pobre niño" de la vida moderna que pasa distintos estados de ánimo como lucido y deprimido por medio de los versos:

El sonido, durante este verso presenta una atmósfera soñadora. El fin de esta sección es marcado por la entrada del bajo y del piano, siendo éste tocado a manos cruzadas en Si♭.^[20]

Balada (0:48–2:36)

Se observa a un pianista realizando el movimiento de manos cruzadas en un piano, similar al usado por Freddie Mercury en el vamp de Bohemian Rhapsody.

Esta sección comienza cuando Freddie Mercury aparece en el piano y John Deacon en el bajo. El piano es tocado en forma de vamp (una figura repetitiva usada a menudo como melodía principal) en Si♭. El vamp tocado en la balada fue formado en torno a las melodías de My Fairy King y The Fairy Feller’s Master-Stroke las dos canciones también escritas por Mercury.^[21]

El bajo de Deacon entra tocando la primera nota y los versos vocales son cantados mediante una interpretación apasionada de Mercury.^[17]

El contexto de la letra comienza con el narrador explicándole a su madre que ha matado a un hombre usando un arma (posiblemente un revolver), y disparandole en la sien:

Tras esta confesión, el narrador admite que su vida ha llegado al fondo y ha lanzado su futuro "por la borda":

La sucesión cromática de notas por parte del bajo es sobre una modulación a Mi♭, a partir de ahí el vamp es tocado en Mi♭(1:19).^[24]

En este momento Taylor toca en la batería una forma de balada de la melodía de la canción "We Will Rock You" (2 choques en Bombo y uno en Caja)^[21] y el narrador realiza una nueva invocación a "Mama" en Mi♭. El narrador trata de consolar a su madre y pidiéndole que si él no vuelve, que siga adelante como si nada realmente hubiera pasado:

Una frase truncada en el piano (Mi♭ - Si♭/Re - Do)^[21] une una repetición del vamp en Si♭.^[17]

Mientras la balada se traslada al segundo verso, el protagonista muestra los dolores y escalofrios que lo aquejan constantemente, mientras Brian May entra y toca las últimas notas del piano en su guitarra (1:50).^[17]

El narrador le dice a todos adiós, anunciando que se tiene que ir y que se prepara para "enfrentar la verdad"; la sección finaliza por medio del verso "Yo no quiero morir / a veces quisiera no haber nacido".

Solo de guitarra (2:36–3:03)

Cuando Mercury canta el verso "...I sometimes wish I’d never been born at all...", la banda intensifica el sonido, siendo liderada por el solo de guitarra tocado en la Red Special de Brian May, el cual sirve como puente entre las secciones de balada y ópera. La intensidad sigue aumentando, pero una vez que el bajo completa su descenso, establece una nuevo tono y la banda corta abruptamente (3:03) excepto por una melodía en el piano, tocada en la modulación La mayor.

Brian May tocando la Red Special, guitarra con la cual se grabaron las pistas dedicadas a las secciones solo y hard rock.

El productor Roy Thomas Baker recalca que el solo se grabó en una única pista, en lugar de ser unido en varias pistas. May ha declarado que siempre había querido componer "un pequeño tono que podría usarse como contraparte de la melodía principal, y que no quería tocar la melodía". El guitarrista dijo también que su mejor material salió de forma tal que: "Los dedos tienden a ser predecibles, a menos que el cerebro los lidere".

Ópera (3:03–4:07)

La sección operática comienza con una serie de melodías rápidas en La♭, la cual contiene varias elaboradas partes de versos unificados en una sola pista, describiendo su llegada al Purgatorio por parte del narrador. Al principio de la sección, Mercury canta acompañado de un piano, y luego aparecen las voces de Mercury, May y Taylor, acompañadas de un coro formado por varias pistas empalmadas, un piano, la batería, el bajo y un timbal sinfónico. La grabación de las pistas vocales duraba desde diez a doce horas por día, resultando como producto final 9 grabaciones separadas principales, el número de 180 grabaciones distinas es una exageración ya que las 9 pistas son repetidas a través de toda la sección.^{[3] [26] [21]} A su vez, las pistas estaban formadas por mezclas sucesivas. Roger Taylor dijo que las voces de él, Mercury y May combinadas creaban un amplio rango vocal: "Brian podía cantar bajo, Freddie mediano y yo era bueno con las partes altas". La banda, además quería crear "una pared de sonido", que después fue hecha por medio del efecto de campana, usado en los versos "Magnifico" y "Let me go".

En cuanto a las referencias usadas en esta sección se encuentra a Scaramouche, el fandango, Galileo Galilei, Fígaro y a "Basmala," como facciones rivales que pelean en una especie de batalla o juicio por el alma del narrador. La introducción de la canción es recalcada mediante los versos "I’m just a poor boy, nobody loves me" (Soy sólo un pobre chico y nadie me quiere). La sección concluye con un coro cantando "Beelzebub has a devil put aside for me!" (¡Belcebú puso un demonio para mí!) en un bloque tocado en la tecla Si mayor. Roger Taylor llega a la interpretación con un falsete en Si♭₅.

Usando la tecnología disponible por aquel entonces, se tardó tres semanas en completar la sección operística. Roy Thomas Baker dijo que "Cada vez que Freddie cantaba un ’Galileo’, tenía que agregar una pieza de cinta más al rollo".^[27]

Hard rock (4:08–4:55)

El final de la sección operática trae un agresivo hard rock con un riff de guitarra escrito por Mercury y grabado en dos pistas. Mercury canta enojado versos dirigidos a un desconocido "Baby", acusando a éste de la traición, el abuso y la insistencia en el verso "can’t do this to me, baby" (No puedes hacerme esto, baby) que podría interpretarse como un flashback de ciertos acontecimientos que ocurrieron en la sección anterior de balada "just killed a man" (acabo de matar a un hombre). Tres guitarras ascendentes continúan, lo que puede describirse como algo que había que luchar con la canción en el ejercicio de vivir. Mercury llega tres veces a la nota tenor en Do₅, en el final de los versos ’de "So you think you can love me and leave me to die" (Pensabas que podías amarme y dejarme morir).

Peraino describe que, a raíz de la sala de audiencias del juicio en la sección operística "el héroe se vuelve desafiante", de piedra y sale victorioso del juicio como un rebelde.^[28]

Whitely relaciona este "gran sentido de urgencia" de Mercury con una "agitación interior de abandonar la seguridad de Mary Austin, llegando a términos con el estilo de vida homosexual". Aunque los comentarios de Austin fueron de entendimiento y sigue siendo un amigo cercano de ella, el verso "just gotta get out" (sólo quiero salir) es una metáfora de la desesperación a medida que se acerca el clímax final. ^[28]

Outro (4:55–5:55)

Después de que Mercury toca octavas ascendientes de la escala en Si♭ en modo mixolidio, la canción regresa al tempo y forma de la introducción. Una guitarra acompaña el coro "ooo, ooo yeah, ooo yeah". Una melodía de guitarra en dos pistas es tocada por medio de un amplificador creado por John Deacon, llamado por sus compañeros de banda "Deacky Amp".^[29] La línea que Mercury canta "Nothing really matters..."(Ya nada realmente importa) reaparece, además de un nuevo sentido de la libertad en cuanto al rango vocal del cantante.

Roger Taylor, baterista de Queen, es el responsable de tocar el gong, en el final de Bohemian Rhapsody.

De acuerdo con Peraino, esta sección final agrega "un nivel de resistencia a la complejidad de la canción en contraste con la encantadora subversión de un rock and roll machista." Esta resistencia es conocida mediante la "postura de la identidad bohemia, que constantemente busca cambios en su personalidad". El verso final dejado como inconcluso: "Any way the wind blows..." (Aunque el viento siga soplando...), es seguido por el sonido silencioso de un gran gong que finalmente expulsa la tensión creada durante toda la construcción de la canción y una repetición de la frase truncada en la sección de balada (Mib - Sib/Re - Do).^{[21] [30]}

Lanzamiento

Cuando Mercury quiso lanzar el sencillo en 1975, varios ejecutivos sugirieron que cinco minutos y cincuenta y cinco segundos era demasiado tiempo de duración, y que el tema nunca sería un hit. Pero Mercury dio una copia a su amigo el DJ de Capital Radio Kenny Everett, informándole (con un guiño) que era para él personalmente y que nunca debía pasarla en el aire. El plan de Mercury (una forma de psicología inversa) funcionó – Everett burló a sus oyentes pasando sólo partes de la canción. La demanda de la audiencia se intensificó cuando éste pasó la canción entera en su show catorce veces en dos días. Hordas de fanáticos corrieron a comprar el sencillo el lunes siguiente, sólo para que la tienda les diga que no había sido lanzado todavía. El mismo fin de semana, Paul Drew, quien dirigía las estaciones de la RKO en los Estados Unidos, escuchó el tema en el show de Everett en Londres.^[3] Drew logró conseguir una copia de la cinta y empezó a pasarla en los Estados Unidos, quien forzó la etiqueta estadounidense de Queen, Elektra. En una entrevista con Sound On Sound, el productor Baker refleja que “¡fue una extraña situación cuando radios de ambos lados del Atlántico pasaba un tema que las compañías de grabación decían que nunca iban a ser puestas al aire!” Finalmente, el inédito sencillo fue lanzado con I’m in love with my car como el lado B.^{[4] [5]}

La canción dominó el 1975 UK Christmas number one, manteniendo aquella posición nueve semanas. Bohemian Rhapsody fue la primera canción en obtener el puesto número uno dos veces con la misma versión. La segunda versión de este tema consistió en un re-lanzamiento con un doble lado A con el sencillo These Are the Days of Our Lives. En 1991, luego de la muerte de Mercury estuvo otras nueve semanas en aquel puesto.^[31]

En los Estados Unidos, el sencillo fue un éxito, aunque de menor escala que en el Reino Unido. El sencillo original, lanzado en 1976, alcanzó el noveno lugar en el Billboard Hot 100, y el segundo puesto en el re-lanzamiento de 1992. En una entrevista retrospectiva, Anthony DeCurtis, de la revista Rolling Stone explica la relativamente pobre performance en el ranking diciendo que “el ejemplo quintaesencial del tipo de cosas no llegó exactamente bien a América”. La popularidad de Queen en América se vio perjudicada cuando aparecieron como drags para su video I Want to Break Free, ya que sus habitantes no sabían que se trataba de una parodia de la novela británica Coronation Street. De todas maneras, de acuerdo con DeCurtis, su usó en Wayne’s World “masculinizó” su canción e hizo que la gente la considerara buena.^[32]

Video promocional

Varios artistas de la época, entre ellos Queen ("Killer Queen" y "Liar", por ejemplo, ya tenían "promociones pop", como se les denominaba entonces), ya habían hecho video clips para acompañar a las canciones, pero no fue hasta el éxito de "Bohemian Rhapsody" que la práctica de producir videos promocionales para los sencillos se hizo popular entre las discográficas. Estos se podían ver en programas televisivos, como el éxito de la BBC Top of the Pops. De esta forma, las bandas o artistas no tenían que aparecer en persona para cantar los sencillos. Un video promocional, además, dejaba al artista a coordinar la música y escenas visuales, en vez de bailarines como son los Pan’s People. Según May, el video fue producido de tal forma que la banda podía evitar recrearlo en Top of the Pops. El dice "Que fue una reacción a tener que ir normalmente a los programas y hacer la mímica rutinaria, por lo que se vendería nuestra historia" con el video.^[33] May explica que ellos habían estudiado la mímica de la canción. Además, la banda sabía que tendrían que realizar tours, en vez de aparecer en los shows. El video ha sido catalogado como el impulsor de la era MTV.

La banda había firmado con una empresa llamada Trillian, la cual cubría los eventos deportivos para ITV. Alquilaron uno de sus camiones y se lo llevaron a Elstree Studios, donde la banda practicaría para su tour. El video fue dirigido por Bruce Gowers, quien había dirigido un video de la banda en su presentación de 1974 en el teatro Rainbow en Londres, y fue filmado por el camarógrafo Barry Dodd y el asistente y manager de piso Jim McCutcheon. El video se filmó en tan solo cuatro horas y costó entre 40.000£ y 45.000£. El director comentó que la banda estuvo involucrada en las discusiones sobre el video y en el resultado final; y "fue un trabajo en equipo, pero solo había un líder."^[3]

El video comienza con una toma de los cuatro miembros en la oscuridad, mientras cantan la parte a cappella. Las luces les iluminan poco después desde abajo, tomando como plano principal a Mercury. La composición de la toma es la misma de la fotografía de la tapa del álbum Queen II la cual fué fotografiada por el artista plástico y fotógrafo Mick Rock. La foto, inspirada por una toma de la actriz Marlene Dietrich, fue la imagen mas representativa y favorita de la banda.^[3]

Todos los efectos especiales fueron hechos durante la grabación. El efecto de las caras haciendo zoom hacia afuera fue realizado apuntando la cámara hacía un monitor, creando una ilusión óptica, análoga al audio. El efecto de panal de abeja fue hecho mediante lentes ópticas reformadas.^[3]

El video continua entonces con los miembros de la banda tocando sus respectivos instrumentos. En la sección de opera, el video vuelve a la composición original, con los miembros de la banda solamente cantando, luego hacen una presentación en el escenario para la parte de heavy metal, y en los segundos finales se muestra a Roger Taylor con el torso desnudo mientras golpea el tam tam.

El video fue editado en cinco horas porque tenía que ser puesto en escena en esa misma semana. Al ser finalizado se envió lo antes posible a la BBC y se emitió por primera vez en el programa Top of the Pops en noviembre de 1975. Después de unas semanas en el puesto número uno, se creó un video alternativo fue. La diferencia mas obvia fue la superposición de flamas en la introducción.

Cerca de una tercera parte de los participantes en una encuesta comisionada por la compañía telefónica británica O2 votaron este video clip como el "mejor video del Reino Unido de todos los tiempos" en el año 2007.^{[34] [35] [36]}

Presentaciones en vivo

En la imagen se observa una presentación en vivo de Queen.

La sección a capella era demasiado compleja para ser ejecutada en vivo, así que Mercury siempre trataba de encontrar maneras de introducir la canción.^[6] Cuando la canción "Mustapha" se convirtió entre los fans en una de las favoritas en los conciertos, Mercury cantaba la ultima parte de Mustapha y la unía al piano para iniciar la sección de balada, de esta forma se hacía mas fácil reproducirla en vivo, ya que esta vez se trataba de una sola voz. Durante el tour Hot Space, en algunas ocasiones, Mercury realizaba una improvisación en el piano (generalmente la introducción de "Death on Two Legs") que terminaba con las primeras notas de la balada de Bohemian Rhapsody. De vez en cuando, también cuando la canción precedente terminaba, Mercury se sentaba en el piano, decia una palabra rápida, y empezaba a tocar la sección de balada.

En los primeros conciertos, tras el lanzamiento del sencillo, la sección operística causaba un problema, ya que era muy complicado recrear las 180 voces combinadas por los cantantes de la banda. Queen no tocó la sección de ópera en los tours promocionales de "Sheer Heart Attack" y "A Night At The Opera", durante las presentaciones, separaban la canción en tres partes durante todo el concierto: la balada y el outro eran tocadas como un medley, con "Killer Queen" y "March of the Black Queen" en lugar de las secciones de opera y hard rock. Esas dos secciones eran tocadas al principio del concierto, como una introducción dando lugar a "Ogre Battle".

Empezando por el tour de "A Day at the Races" en 1977, la banda adoptó la ultima forma de tocar la canción en vivo. La balada inicial se haría en vivo, después el solo de Brian May, y las luces se apagarían y la sección operística se escucharía en forma de grabación. Una explosión de pirotecnia tras la ultima nota aguda de Roger Taylor, sería la señal para que la banda regresara al escenario y realizan las secciones de hard rock y outro en vivo. De esta forma Queen realizó la versión en vivo hasta el Magic Tour de 1986, su ultima presentación. Este estilo es usado en el Concierto en tributo a Freddie Mercury, con Elton John cantando la sección de balada y después de la sección operística grabada, Axl Rose apareció cantando la sección de hard rock. John and Rose cantaron la balada final en dueto.

Vocalmente hablando, la canción alcanzó sus mejores interpretaciones en las giras The Crazy Tour, Game Tour y Hot Space Tour; específicamente su mejor interpretación la alcanzó en Newcastle, el 4 de diciembre de 1979, y en Londres, el 26 de diciembre de 1979, en el famoso concierto en favor del pueblo de Camboya.^{[cita requerida]}

En los tours de Queen + Paul Rodgers se ve un video de Mercury cantando y tocando la canción en el primer segmento, dejando a al margen los otros músicos y a Paul Rodgers.^[37] Durante las presentaciones se proyecta un video del concierto Live at Wembley ’86, y también se usa material del concierto 1981 Montreal performance. En la sección operística, la banda se va detrás del escenario. La sección es acompañada de un tributo en video a Freddie Mercury y John Deacon, quien se retiró de la banda en 1997. Cuando comienza la sección de hard rock la banda sale a escena, incluyendo a Rodgers, quien cantara durante toda la sección. Rodgers realiza un pequeño dueto con Mercury en el outro, permitiendo la participación de la audiencia, cantando el verso final "Nothing really matters to me", mientras la imagen proyectada de Mercury da una reverencia a la audiencia. Rodgers repite el último verso y la línea final (’"Any way the wind blows"’) es dejada a una última imagen de Mercury sonriéndole al público. Brian May comenta sobre esta presentación de la canción: "Nosotros queríamos el reto de tener a Freddie allí de una forma respetada, pero sin restarle protagonismo a Paul. De esta forma nos deja vivos y "presentes", pero también conscientes y orgullosos de nuestro pasado, como no puede ser de otra forma."^[6]

Recepción de la crítica y el público

Aunque la canción se convirtió en una de las más importantes de la música popular de todos los tiempos, algunas de las críticas denotaban a la canción como pobre. El crítico columnista Allan Jones escuchó sólo un "pastiche impresionante" de estilos operísticos.^[38]

La canción ha ganado varios premios, y ha sido versionada y parodiada por muchos artistas. En 1977, sólo dos años después de su lanzamiento, la Industría Fonográfica Británica nombró a "Bohemian Rhapsody" como el mejor sencillo británico del período entre 1952-77.^[3]

También quedó décima en una encuesta de la BBC World Service, cuyos fines eran los de conocer qué canción era la favorita en el mundo.^[39] En el 2000 salió segunda tras el Imagine de John Lennon en una encuesta del Channel 4 para averiguar Los 100 Mayores Números 1. También estuvo en el top 5 del anual holandés "Top 100 Aller Tijden" desde 1977, llegando al número uno en ocho ocasiones.^[40] En el anual "Top 2000", Bohemian Rhapsody mantuvo el primer puesto entre 1999 y 2005. En 2005, bajó un lugar, para recuperarlo en 2006 nuevamente. En las ediciones del 2007 y del 2008, el sencillo encabezó otra vez las listas.

En 2004, la canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.^[41] A partir de 2004, "Bohemian Rhapsody" fue considerada la segunda canción más escuchada en la radio británica, en los clubes y en jukeboxes colectivos, después de "A Whiter Shade of Pale" de Procol Harum.^[42] El 30 de septiembre de 2007, en el cuadragésimo cumpleaños de la BBC Radio 1, se puso de manifiesto que "Bohemian Rhapsody" fue la canción más escuchada desde el lanzamiento de Radio 1. En 2004, BBC Three, incluyó la canción como parte de su La historia de ..., una serie de documentales dedicados a canciones específicas. En su primera emisión en diciembre de 2004, el programa trazó la historia de la canción, discutieron sus credenciales, y llevó a los miembros restantes de Queen (Brian May y Roger Taylor) de nuevo a uno de los estudios en donde se grabó.

Wayne’s World

La canción disfrutó de renovada popularidad en 1992 como parte de la banda sonora de la película Wayne’s World. Su directora, Penélope Spheeris, dudaba de usar la canción, porque opinaba que no combinaba del todo con los personajes principales, quienes eran fanáticos del rock y del heavy metal. De todas formas, Mike Myers insistió en que la canción sí combinaba bien con la escena.^[43]

De acuerdo con la experta musical Theodore Gracyk, en 1992, cuando fue lanzado el filme, las estaciones de radio de “rock clásico” dejaron de emitir la canción de seis minutos de duración.^[44] Gracyck sugiere que al comenzar la cinta a mitad de la canción luego de la “letra que da la narrativa de la canción... fuerza a la audiencia del filme a responder a su presencia sin el ‘comentario’ de la letra”.^[44] Ayudado por Bohemian Rhapsody, el álbum del soundtrack de la película fue un gran hit.^[45]

En relación con esto, se lanzó un nuevo video, intercalando extractos de la película con partes del video original de Queen, junto con otras imágenes de la banda. La versión del video de Wayne’s World hizo que Queen ganara su único premio MTV Video Music Award al Mejor video para películas. Cuando los miembros sobrevivientes, Brian May y Roger Taylor, fueron llamados al escenario para recibir el premio, Brian May fue superado por la emoción y dijo: “Freddie estaría encantado”.^[46]

Myers se horrorizó de que la compañía de grabación hubiera mezclado clips de Wayne’s World con el video original de Queen, creyendo que eso iba a molestar a la banda. Dijo a la compañía de grabación que le avisara a la banda que ese video no había sido su idea, y se disculpó con ellos. Ésta dio una simple respuesta: sólo dijo: "Gracias por haber usado nuestra canción". El asombrado Myers más tarde dijo que les hubiera dicho "¡Gracias por dejarme siquiera tocar el dobladillo de su ropa!".^[47]

Otros usos

En la serie española La chica de ayer, adaptación de la famosa ficción británica Life On Mars, Bohemian Rhapsody es utilizada como canción principal en el momento cumbre del primer episodio, sustituyendo a "Life On Mars?" de David Bowie.

La serie de marionetas de los muppets realizaron un cover de la misma interpretado por cada uno de los personajes.

Personal

• Freddie Mercury: voz solista, piano, coros;
• Brian May: guitarra, coros;
• John Deacon: bajo;
• Roger Taylor: batería, coros, timbales, gong.

Lista de posiciones

Véase también

• Queen
• Freddie Mercury
• Rapsodia
• Bohemio
• Fandango
• Basmala
• Scaramouche
• Galileo Galilei

Fuentes

Referencias

Bibliografía y enlaces adicionales

• Todo o parte de este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Bohemian Rhapsody de la Wikipedia en inglés, bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0. y GFDL.

Cuidado con el volumen, esta a tope.

Sola, fané, descangayada, la vi esta madrugada salir de un cabaret; flaca, dos cuartas de cogote y una percha en el escote...

A mí me busca la pasma
Por haber cantao a pelo

Pronto dejara de ser una metafora...

Zambaruja. Un grupo folk de Valladolid.

Pues segun nuestro amigo el DRAE:

*

guateque.

(Voz caribe).

1. m. Fiesta casera, generalmente de gente joven, en que se merienda y se baila.

2. m. coloq. jolgorio.

3. m. Cuba. Fiesta campesina en la que se canta y se baila.

Desde Jamendo, Shimizu Requiem. Gratis, legal y sin canon.

Se me han acabado las vacaciones. Vuelvo al duro curro diario. Pero para ir empezando relajadito, nada mejor que un poco de zen.